Outsider No More, primera exposició de Nova York de Niki de Saint Phalle al MoMA PS1 Dazzles

La pitjor part de totes les malalties greus és l’ansietat que causa en els malalts per als que els estimen.Hem de superar la nostra por. Quan algú té SIDA, és segur ser amable. Riu amb ells. Plora amb ells. ... La sida és el problema de tots i la culpa de ningú.Si cadascun de nosaltres té cura i és responsable, la SIDA estarà controlada. Fins aleshores, hem d’aprendre a conviure amb la sida.

Tot sobre Niki de Saint Phalle’s SIDA: no es pot agafar agafat de la mà , semblava impossible: el tractament infantil de l’horror total; un artista que busca la humanitat des d’una comunitat global; una estètica que equilibrava el centre de Nova York, l'Upper East Side lux i l'illot parisenc.

Com podria existir aquest llibre (lliurat gratuïtament a les escoles franceses!)? El president Ronald Reagan havia trigat fins al 1985 a parlar de la sida; arguments conservadors van emmarcar la sida com un criteri moral, que jutjava els homes gais, els consumidors de drogues i els negres i llatins; fins i tot a la ciutat de Nova York, l’alcalde Ed Koch (que es creu gai com resumeix El neoyorquí el 2013 ) va respondre patèticament i homicidament lentament. Al govern, federal i local, no se n’havia preocupat gens.

Distribució de pàgines des de SIDA: no es pot agafar agafat de la mà es mostren actualment a MoMA PS1 a la primera exposició de Saint Phalle en un museu de Nova York. L’espectacle recull més de 200 obres: escultures, models, gravats, dibuixos, joies i productes, pel·lícules, vídeos, fotografia. L’exposició narra una visió cohesionada, des de l’aparició de Saint Phalle als anys 60 fins a la mort del 2002, aliant sèries més conegudes: les pintures de Tir, les Nanas i Jardí del Tarot —Amb els seus esforços arquitectònics, de performance, de llibres i comercials. S'ha retardat un any i potser falten algunes de les grans escultures que haurien semblat tan dinamitades al pati de la PS1, Niki de Saint Phalle: Estructures per a la vida , és una curació brillant i sensible, que ofereix als visitants prou context i bengala per posar l'artista al cap i al cor per sempre.

El 2021, sorprèn que Saint Phalle no hagi tingut ja una mostra museística de la ciutat de Nova York. Fins i tot el 1986 era una figura famosa i la biografia de la qual estava gairebé màgicament alineada amb la seva autoria SIDA: no es pot agafar agafat de la mà . Saint Phalle era nord-americà i francès, Nova York i París; Francesa de naixement, criada a Nova York, i l'única dona ingressada a l'influent grup d'artistes de París, Nou realisme . Si era emblemàtica a França, com la jove enfadada que feia quadres disparant-los, no era menys present a la ciutat de Nova York, vivia al Chelsea Hotel i mostrava al costat dels destacats artistes del moment. Però un establiment dominat per homes també va veure Saint Phalle com a primitiu. Li faltava formació formal i, malgrat la seva condició d’informat i les seves dècades de pràctica, la seva feina sovint es deia art extern. Niki amb Clarice Again al seu jardí davanter, fora de París, França. 1981. Estampat de plata de gelatina. 12 3/16 x 8 ¼ (31 x 21 cm). Foto: Michiko Matsumoto © Michiko Matsumoto© Michiko Matsumoto

La ràbia manifesta de Phalle, el feminisme i les crides al poder matriarcal també la diferencien del món de l’art. Al seu llibre, El meu secret (1994), Phalle la recorda Tir series en relació amb incidents d’incest i abusos sexuals de la infància, QUI era el quadre? Pare? Tots els homes? Homes petits? Homes alts? ... O la pintura era ME? ... Estava disparant contra MI ... contra la meva pròpia violència i la VIOLÈNCIA dels temps. L’abús i la traïció són temes centrals per a Saint Phalle, però la seva ira no era només personal. Com va escriure en una carta del 1991 al comissari i director del museu Pontus Hulté, molt aviat vaig rebre el missatge que els homes tenien poder i ho desitjava. SÍ, ROBARIA EL SEU FOC D’ELLS. ... Els rols masculins semblen donar-los molta més llibertat, i M’HE RESOLT QUE LA LLIBERTAT SERIA MIA. Bloum Cardenas, néta de Saint Phalle, que va col·laborar amb conservadors en una retrospectiva del 2002 al Museu Guggenheim de Bilbao, va parlar amb El guardià sobre els Nanas, el seguiment de Phalle a la sèrie Tir:

Per a mi, és un exèrcit de dones que ve a fer-se amb el món. La gent oblida que tots aquests colors a mitjans dels anys 60 de París tenien molt mal gust; el pop no havia conquerit el món i Amèrica no l’havia pres del tot. I en un moment en què Twiggy és com se suposa que veus, ve amb aquestes dones que tenen els pits a la cara, són curvilínies, fan ostentació del seu sexe a la cara, en totes les posicions. Són poderosos, són ells mateixos.

En una carta de 1966 a la seva mare, Saint Phalle va escriure: Très tôt je décidai de devenir une héroïne. Qui serais-je? George Sand? Jeanne d’Arc? Napoléon en jupons? (Molt aviat vaig decidir convertir-me en un heroi. Qui seria? George Sand? Joan d'Arc? Napoleó amb enagos?) L'interès de Saint Phalle pel pop, la bellesa i l'horror del mateix, així com per l'autopromoció i la fabricació , està d'acord amb les pràctiques dels seus contemporanis i companys de decoració posteriors, com Andy Warhol i Yayoi Kusama. Però aquestes eren idees perilloses: aquest art podria ser, com deia a la pel·lícula del 2014, Jean Tinguely - Niki de Saint Phalle (dirigit per François de Menil i Monique Alexandre) un objecte d'art massiu que tothom podria tenir; que un artista pugui vendre al públic; que l’art no s’havia de guardar als museus.

Els desafiaments de Saint Phalle a la sexualitat i el gènere, el seu ús agressiu i fins i tot feixuc del color, els seus experiments al mercat, la seva personalitat gegantina, la van convertir en una particular pertinència a l’East Village. La seva influència es pot veure a David Wojnarowicz, per exemple, en el seu ús de ninots de plàstic, en els seus bustos de metamorfosi, o en les superfícies pintades de les seves escultures, o en les formes a l’aguait de les seves serps.

Aquella Saint Phalle havia crescut a l’Upper East Side, i les seves línies de joies i perfums eren als aparadors de l’avinguda Madison, va fer que la crítica fos molt més irònica. El valor de l'art, llavors molt més que ara, es basava no només en l'escassetat i el refinament, sinó en la inaccessibilitat. Inaccessibilitat física i inaccessibilitat emocional i intel·lectual. Les obres públiques, els parcs i l’interès per l’art de Saint Phalle per a tothom, fins i tot per als nens, es trobaven renyits amb un paradigma de gran treball, custodiat i pedestal en un museu romànic; a més, que tanta gent adorés el seu treball va disminuir la seva conveniència per als col·leccionistes. Si tothom entenia una obra d'art, la propietat no aportava cap genealogia (cap demarcació de discerniment superior) i el valor es reduïa. Sens dubte, el poder femení evident va contribuir a la feble lloança. En una instal·lació de Saint Phalle del 1966, Catedral d’Hon-en: història d’Hon-en , els assistents a l'exposició es van alinear per introduir una figura de Nana tremenda a través d'una obertura entre les cames. El treball va resultar tan impactant que, ara es diu, la taxa de natalitat a la ciutat situ d’Estocolm va augmentar durant l’any. Vista d'instal·lació de Niki de Saint Phalle: Structures for Life, vista al MoMA PS1, Nova York, de l'11 de març al 6 de setembre de 2021. Imatge cortesia de MoMA PS1. Foto: Kyle KnodellImatge cedida per MoMA PS1. Foto: Kyle Knodell

Soho va ser la resposta del carrer número 57 a East Village. Els expressionistes abstractes i els seus descendents, juntament amb Warhol, podrien recalibrar el centre de la ciutat. Uns quants artistes, molt al centre de la ciutat, portarien la pancarta del Soho i un món de l’art que no s’havia demonetitzat intencionadament podria reafirmar la seva base capitalista. Warhol va abraçar públicament Keith Haring i Jean-Michel Basquiat, i fins i tot Saint Phalle. Amb una poderosa influència mediàtica, Soho, no l'East Village, va agafar la torxa del carrer 57. Totalment satisfactori? No realment. El centre de la ciutat s’estava morint. Cada obertura de galeries i museus era una estela per a aquells que hi haurien d’haver estat. La ineptitud assassina del govern era massa de suportar i la presumpció de l’art per l’art, un stand-by dels anys 80, s’havia convertit en l’argument dels cecs i desalmats. Nova York havia canviat i el món havia canviat. I les arts, de cor trencat i furiós, no podien abandonar l'activisme i la política, que travessarien el creuament de Bowery i Broadway, des de l'East Village fins al Soho.

Saint Phalle’s SIDA: no es pot agafar agafat de la mà es basa en l’impuls d’una dècada, mirant enrere al moviment juvenil No Nukes de principis dels anys 80 i desitjant un activisme contra la sida que va establir FER DE LES SEVES (Silenci = Mort) el 1987. Amb temes de màquina, home, tecnologia i una mena de visió de Gaia sobre la profunditat i la inevitabilitat de l'autodestrucció i l'amor mateix, l'obra de Saint Phalle sempre havia existit en un passat proper, molt ara, i temps futur. I la guerra de la cultura havia començat i la sida, com Saint Phalle i David Wojnarowicz, com innombrables artistes s’havien adonat, era la primera línia, la trinxera excavada entre el centre i el baix i els artistes i el món.

El número de l'11 de gener de 1988 de Publishers Weekly va presentar l'article, L’artista Niki de Saint Phalle esbossa veritats que salven la vida per a adolescents desconfiats de la sida . Va dir Saint Phalle:

El món ha experimentat tot un patró d’autodestrucció, ja sigui en desastres ambientals com Txernòbil o en desastres sanitaris com la sida ... Els joves han d’implicar-se. La sida és una situació complexa que segurament traurà el millor i el pitjor de les persones. I tot just comença.