Gangs of New York de Martin Scorsese, a partir d’un guió de Jay Cocks, Steven Zaillian i Kenneth Lonergan, basat en una història de Jay Cocks, es va inspirar en la crònica de Herbert Asbury de 1928, Gangs of New York, que el Sr. Scorsese va llegir més de 30 anys. fa molt més tard, compartint el seu entusiasme pel llibre com a projecte cinematogràfic amb un guionista-amic, Mr. Cocks. El resultat repercuteix a la pantalla amb una força i una fúria mortals més intenses que tot el que el senyor Scorsese encara ha aconseguit als carrers més malignes i estimats que es pogués imaginar o recordar.
La pel·lícula ha estat molt criticada per jugar ràpidament amb els fets històrics del període, sobretot la dècada de 1860, i el seu entorn: el barri dels Cinc Punts al baix Manhattan. Tot i això, no m’imagino que el cineasta hagués estat abordat mai en primer lloc per un cineasta menys implicat emocionalment en el material que el senyor Scorsese. Per tant, li tinc un deute d’agraïment per haver realitzat la pel·lícula en aquest moment de plor, quan hi ha massa gent que segueix parlant de com els neoyorquins han perdut la seva innocència des de l’11 de setembre.
Les colles de Nova York comencen amb una extensa i massiva escena de batalla que envolta bandes rivals de persuasions d’immigrants nativistes anticatòlics i irlandes-catòlics. L’escenari és, aparentment, el calder de pobresa, criminalitat i fanatisme de la part inferior de Manhattan conegut com els Cinc Punts, vers el 1846, però l’armament primitiu dels combatents, és a dir, destrals, ganivets, espases i porres, confereix a l’espectacle un aspecte i un so medievals. . Braveheart de Mel Gibson (1995), amb el seu escocès escocès / britànic, ve a la ment com la banda hiberniana dels Five Points, els Dead Rabbits, dirigits pel sacerdot Vallon de Liam Neeson, s’enfronten a les hordes protestants dominants dirigides per la carismàtica interpretació de Daniel Day-Lewis. William (Bill the Butcher) Tallant. A un nivell més personal, la batalla també evoca la publicació Once Upon a Time in the West (1969) de Sergio Leone, quan era un nen jove d'Amsterdam Vallon (Cian McCormack), que veu com el seu pare mor a les mans i a la fulla de Bill the Butcher i els vots. per venjar-lo. Però una vegada que el senyor Scorsese i els seus col·laboradors es submergeixen en la història i la sociologia dels cinc punts 16 anys després, en plena guerra civil, les colles de Nova York es tornen massa polifacètiques per lliurar el fervor ètnic del senyor Gibson o l’emocionalisme visualment centrat de Leone. .
L’adult Amsterdam Fallon de Leonardo DiCaprio s’insinua amb èxit en la confiança de Bill the Butcher, així com en la seva banda, però la fascinació creixent d’Amsterdam per l’assassí del seu pare sembla debilitar, semblant a Hamlet, la seva decisió de venjar-se. No sé què va passar durant l’escriptura i el rodatge de la pel·lícula, però en algun lloc de la línia, Bill the Butcher, de Mr. Day-Lewis, es va convertir en el Claudi que roba l’espectacle a Hamlet del Sr. DiCaprio.
Ambdós personatges gaudeixen dels favors del voluptuós carterista Jenny Everdeane, interpretat amb una ruda alegria de Cameron Diaz, probablement un nom de taquilla més gran aquests dies després dels Àngels de Charlie que el senyor DiCaprio o el senyor Day-Lewis. Tot i això, hi ha una mica d’ambigüitat i complexitat en el desenvolupament dels personatges principals i les seves diverses causes per a les demandes maniquees i moralment simplistes de les epopeies populars amb herois i vilans clarament definits.
Això no vol dir que la posada en escena del senyor Scorsese sigui menys que sorprenent en la seva recreació de malson dels frenesis dels Cinc Punts a través del meravellós disseny de producció de Dante Ferretti, que utilitza decorats construïts des de zero als estudis Cinecitta de Roma. Es fa sentir atrapat en un passat del qual no s’escapa, ja que la història de les colles parroquials xoca explosivament amb el llibre d’història de la història nord-americana en els revolts climàtics i infames del 1863, que van il·luminar el fanatisme racial dels irlandesos contra els negres. la forma horrible de diversos linxaments i la injustícia subjacent d’homes rics que el govern d’Abraham Lincoln permetia, no menys, comprar la sortida del projecte per 300 dòlars, una suma inabastable per als immigrants irlandesos impulsats per la fam de la patata . S'ha rumorjat que el preu vigent per als palanques de la Guàrdia Nacional que permetien als plutòcrates esquivats de la generació de George W. Bush evitar Vietnam era de 5.000 dòlars, una escalada raonable per a la inflació d'un segle.
Els disturbis i la seva brutal supressió marquen un sagnant capítol en la història de la ciutat de Nova York i de la nació. Encara s’ha de veure si el públic amb algun rastre de curiositat històrica és prou gran per fer que les colles de Nova York, almenys, es trenquin. Però amb els joves cineastes aparentment desinteressats dels anys seixanta, és difícil veure com una pel·lícula sobre la dècada del 1860 els arrossegarà dels seus brillants nous videojocs.
Per a la resta de nosaltres, les colles de Nova York mai són menys que interessants i, sovint, emocionants i absorbents. La seva violència és de vegades horrible, però mai gratuïta. En última instància, és on érem una vegada a la terra promesa que anomenem Amèrica i seria molt gran que ho recordéssim. La pel·lícula s’ajuda incommensurablement a la seva visibilitat amb les interpretacions de personatges persuasius de Jim Broadbent com el cínic i corrupte Boss Tweed, John C. Reilly com a policia irlandès-americà en una administració municipal anti-irlandesa, Brendan Gleason com a irlandès-americà. màrtir polític i David Hemmings com a conservador hipòcritament compassiu de l’època.
Superficialitat oportuna
Chicago de Rob Marshall, a partir d’un guió de Bill Condon, s’ha adaptat lliurement de l’obra musical Chicago del 1975, dirigida i coreografiada per l’escenari per Bob Fosse, amb música de John Kander i lletres de Fred Ebb. Maurine Dallas Watkins va escriure l’obra original el 1926 amb el títol de The Brave Little Woman, que al seu torn va inspirar dues pel·lícules, el silenciós Chicago de Frank Urson el 1927 (a partir d’un guió de Lenore J. Coffee, amb Phyllis Haver com a Roxie Hart) i William Roxie Hart de A. Wellman el 1942 (a partir d’un guió de Nunnally Johnson, amb Ginger Rogers al paper principal).
En totes les seves encarnacions realitzades durant els darrers 75 anys o més, la història bàsica no ha perdut res de la seva actualitat superficial. De fet, probablement sempre estaran amb nosaltres els judicis per assassinat de famosos en benefici del públic devorador i manipulat pels mitjans de comunicació, cosa que més del que es pot dir pel gènere musical de Hollywood, nascut amb l’aparició del so a finals dels anys 20 i florint al De la dècada dels 30 a la dècada dels 50, només desapareixerà pràcticament en les darreres dècades, principalment a causa de la creixent importància per a la línia de fons dels mercats estrangers de Hollywood, als quals els musicals americans no viatgen bé.
Molts dels meus col·legues han considerat l’actual Chicago com el musical que podria començar de nou el gènere moribund. Segons qualsevol estàndard, suposa una gran millora respecte al Moulin Rouge (2001) de Baz Luhrmann, una mascarada pomposament desbordada que fa de musical. De fet, Chicago és, en molts aspectes, un èxit admirable. Va tenir èxit amb diverses apostes, inclòs el càsting, l'adaptació i l'edició, que divideix la presentació entre el món dels somnis i el suposat món real, entre el teatre de la ment i el teatre de Chicago dels anys 20 i, el més perillosament, entre els formats musicalment, tot i que intèrprets musicals no massa experimentats com Catherine Zeta-Jones, Queen Latifah i (el més sorprenent de tots) John C. Reilly, i estudis ràpids relativament afeccionats, tot i que amb talent, com Renée Zellweger i Richard Gere.
El senyor Marshall's Chicago és un musical de dues diva, amb la senyora Zellweger com a Roxie Hart i la senyora Zeta-Jones com a Velma Kelly, l'amara rival de Roxie fins que formen un parell de conveniència per als seus darrers ingressos absoluts. -per número d'assassinat, realitzat amb aplaudiments d'una ciutat. Però, de fet, es podria assenyalar que Velma no apareixia com a personatge en cap de les dues pel·lícules anteriors ni en l'obra original; va debutar a la producció escènica de 1975 de Bob Fosse, amb Gwen Verdon ballant i cantant la part de Roxie Hart i Chita Rivera ballant i cantant la part de Velma Kelly.
La química entre la senyora Zellweger i la senyora Zeta-Jones és més freda i molt menys convivencial que la de Marilyn Monroe i Jane Russell a Gentlemen Prefer Blondes (1953) de Howard Hawks, del guió de Charles Lederer, basat en la novel·la d’Anita Loos, amb cançons de Jule Styne i Leo Robin; en conseqüència, Chicago és gairebé per definició, un musical sense cor: un ingredient que la majoria de nosaltres necessitem i esperem en un musical, tant si ho decidim com si ho admetem o no. Roxie i Velma són tots dos terminalment egoistes i autoabsorbits, amb egos famolencs i necessitats que es reprodueixen millor als escenaris fràgils i hipersofisticats de Broadway que a les pantalles de plata del món.
Aquí entra en joc una curiosa paradoxa en la icònica interacció entre la senyora Zellweger i la senyora Zeta-Jones. Tot i que la senyora Zeta-Jones ha estat una bellesa atractiva amb cos en els seus papers anteriors, mai no ha generat molta calor ni sensació. Per tant, és elegida com Velma. La senyora Zellweger és una història completament diferent, ja que ha transmès els seus sentiments més profunds amb només un bon aspecte moderat per guanyar el cor del públic. Afortunadament, no està exempta d'enginy i d'ironia per suavitzar la pura perversitat del seu personatge a Chicago. Tot i així, la seva crueltat envers el seu marit, que va jugar amb la noblesa nebulosa del senyor Reilly, la fa menys simpàtica. La qüestió és que els personatges de Monroe i Russell es van agradar molt i per això la seva unió s’ha mantingut tan memorable. No obstant això, heu de veure Chicago, encara que només sigui per veure què vull dir i, possiblement, en desacord amb mi.
Deliciós Dickens
Nicholas Nickleb y de Douglas McGrath, basat en el seu propi guió, basat en la novel·la de Charles Dickens, resulta feliçment més fidel a l’esperit nadalenc que totes les pel·lícules de Santa Claus juntes. És un Nickleby magre però no anèmic que el senyor McGrath ha dissenyat a partir de la novel·la de Dickens de 816 pàgines, mantenint la narrativa central alegre i commovedora. La pel·lícula s’enriqueix amb un repartiment imaginativament barrejat d’esperits antic, encapçalat per Christopher Plummer com l’oncle Ralph més subtil i complexament malvat que he vist a les moltes adaptacions cinematogràfiques i escèniques de l’obra. No es queden enrere Jamie Bell com el malaguanyat Smike; Jim Broadbent com a sàdic Wackford Squeers; Juliet Stevenson com la temible Sra. Squeers; Tom Courtenay com el funcionari borratxo però sempre útil, Newman Noggs; Nathan Lane com a deliciós impresari teatral, Vincent Crummles; Barry Humphries (també coneguda com Dame Edna Everage) com a senyora Crummles; Timothy Spall com un dels bessons Cheeryble, Edward Fox com el lasciu Sir Mulberry Hawk; i Alan Cumming com a aristòcrata més honorable, el senyor Folair.
Les parts relativament rectes del mateix Nicholas Nickleby (Charlie Hunnan), la seva estimada Madeline Bray (Anne Hathaway), la seva mare desvalguda (Stella Gonet) i la seva assetjada germana Kate (Romola Garai) tenen una interpretació menys imponent que les dels excèntrics, però Dickens sempre va ser més còmode i creatiu amb les seves criatures irresponsables que amb els herois i heroïnes del pa blanc.
La joventut de Hitler
Max, de Menno Meyjes, del seu propi guió, ens porta a Munic el 1918, quan dos van tornar derrotats a veterans alemanys: un de fictici, un ric comerciant d'art jueu anomenat Max Rothman (John Cusak) i l'altre de 30 anys. aspirant a pintor anomenat Adolf Hitler, es reuneixen i s’involucren temporalment entre ells en el que resulta ser un moment crucial de la història mundial. Els suposats implicats han ofès algunes persones, però la pel·lícula em va semblar fascinant pel seu subtext sobre art i política, com ara.
