Tim Burton i Tim Burton's Corpse Bride, d'un guió de John August, Pamela Pettler i Caroline Thompson, amb música original de Danny Elfman, marca el vintè any dels esforços constantment excèntrics de Mr. Burton amb pel·lícules que han trobat favor al públic jove. , i amb admiradors de totes les edats per les tendències estranyes, morboses i francament estranyes de la seva obra. A nivell de consumidor-consultor, permeteu-me dir en primer lloc que Corpse Bride és molt superior artísticament a Charlie and the Chocolate Factory del senyor Burton, publicat a principis d’aquest any. Tot i així, per tots els seus mèrits, Corpse Bride em va deprimir incommensurablement. La veritat és que, a la meva edat, em trobo massa a prop de les indicacions de mortalitat per apreciar les alegres xerrades del senyor Burton al cementiri. Potser s’hauria d’idear un sistema de classificació per a cinèfils més grans com jo per protegir-nos dels capricisos reals del senyor Burton sobre esquelets ossis amb cucs als ulls. Ara, a mitjans dels anys quaranta, el senyor Burton no ha superat mai la seva afició pels elements infantils (si no del tot infantils) de l’entreteniment cinematogràfic.
Ho dic perquè a la projecció de Corpse Bride a la qual vaig assistir, els nens del públic semblaven encantats amb els processos espantosos molt més que jo. Però, què esperes? La mort és una perspectiva molt més remota per a ells que no pas per a un vell personatge com jo. En qualsevol cas, el senyor Burton, com molts cineastes, sembla que va tenir una infància relativament solitària. L’entrada biogràfica de The Film Encyclopedia d’Ephraim Katz és instructiva al respecte:
Nascut el 1960 a Burbank, Califòrnia, fill d’un empleat del Departament de Parcs, va passar moltes hores de la infantesa sols veient dibuixos animats i pel·lícules de terror a la televisió i va començar a dibuixar dibuixos animats mentre encara era a l’escola primària. Va guanyar una beca Disney per estudiar animació a l’Institut de les Arts de Califòrnia i als 20 anys va començar a treballar a Disney com a aprenent d’animador. Va aconseguir l'èxit amb la seva primera pel·lícula d'animació, el curt premi de sis minuts, Vincent, modelat i narrat pel seu heroi de la infància, Vincent Price. Passant als curts d’acció en directe, va fer una versió de Hansel i Gretel amb un repartiment asiàtic. A continuació, va dirigir a Disney Frankenweenie, una paròdia d’acció en viu de 30 minuts de Frankenstein en què el monstre és un gos. Considerada massa aterradora per als nens, la pel·lícula no es va estrenar mai, però va provocar la contractació de Burton per part de Warner Bros. com a director de Pee-Wee’s Big Adventure, que es va convertir en un èxit de taquilla. Destinada al mercat infantil, la pel·lícula va cridar l'atenció de certs crítics per la seva originalitat, inventiva visual i un ull cap a l'absurd, qualitats que es van convertir en les marques de Burton i que van quedar clarament evidents en les seves següents tres pel·lícules: el somni de taquilla Beetlejuice, l'èxit de taquilla Batman i l’aclamat conte de fades per a adults Edward Scissorhands. La seqüela Batman Returns va ampliar l’estrany simbolisme de la pel·lícula d’imatges infantils i obsessions per a adults. Després de Batman Returns, va signar un acord per produir pel·lícules per a Disney.
He seguit l’aparició del senyor Burton com un autor innegable, fins i tot quan no dirigia les seves produccions, però a gran distància, de fet, tan gran que no puc recordar per a la vida de mi res del que mai vaig escriure sobre ell. No em va desagradar el duet de Batman i em van repugnar lleugerament Edward Scissorhands i Beetlejuice, tot i que em van impressionar moderadament els estils d’interpretació subtilment reticents de Johnny Depp i Michael Keaton.
Corpse Bride resulta ser una pesada barreja de titelles i animació que és massa complexa i laboriosa tecnològicament per a aquest revisor desesperadament luddita, que està escrivint aquesta crítica amb una màquina d’escriure portàtil Smith-Corona SCM Classic 12. Tot el que sé és que tots els personatges, vius i morts, tenen ulls enormes i cossos deformats. Les veus són proporcionades per Johnny Depp com a Victor Van Dort, el desgraciat nuvi que es troba compromès amb dues dones, només una d'elles viva, al mateix temps: Helena Bonham Carter com la núvia del cadàver i Emily Watson com Victoria Everglot, la viva futura núvia. Els pares de Victor són expressats per Tracy Ullman com a Nell Van Dort i Paul Whitehouse com a William Van Dort, els pares de Victoria per Joanna Lumley com a Maudeline Everglot i Albert Finney com a Finnis Everglot. Richard E. Grant és la veu sempre burleta del vilà total Barkis Bittern. Christopher Lee sembla que el grotesc domini del pastor Galswells i el compositor Danny Elfman (que ha estat amb Mr. Burton des del començament de la seva carrera) canta la veu de Bonejangles, el líder de la banda del cementiri.
La trama, tal com és, depèn de la torpesa extrema de Victor en l’assaig del casament, cosa que l’obliga a fugir humiliat cap a un cementiri boscós, on col·loca erròniament l’anell de noces de Victoria en una branca d’arbre que es transforma sobtadament a la mà i al dit de la núvia del cadàver. , amb la pròpia núvia sorgint en tota la seva forma esquelètica i de recanvi de la tomba en la qual havia anat languidint des que va ser assassinada pel seu malvat nuvi de caça de fortuna. Hi ha, al principi, un toc d’Ichabod Crane a Victor Van Dort, però amb traços de nerviosisme histèric molt més amplis. No obstant això, a mesura que es desenvolupa la història, l'expansió lírica de la música del senyor Elfman proporciona un fons de dolçor que serveix de contrapunt als atrevits detalls de les parts del cos en descomposició i desintegració. De fet, si Corpse Bride funciona i no estic segur que ho faci, és com un musical mordent no sense enginy i amb una mesura de compromís emocional.
Els tres personatges principals es tornen a dos per trams de festeig de piano a dues mans, però les línies de demarcació entre aquest món i el següent es tornen cada vegada més borroses. Això és especialment cert quan el cor de Bonejangles roba l’espectacle (per dir-ho així) amb el seu refrany recurrent a cada estrofa cada vegada més lúdica del conte de la núvia del cadàver a Restes del dia.
Ho diu així: mor, mor, tots passem / Però no portis el cella arrufat perquè és realment O.K. / Podeu intentar amagar-vos i pregar / Però tots acabem les restes del dia. Ara sé que en algun lloc del meu interior hi ha un home petit que assenteix amb el cap d'acord amb la veritat existencial de la tornada, però prohibeix absolutament a aquest home petit aplaudir a l'uníson amb els cantants de Bonejangles. El que segueix a continuació a la narració és tan ordenat i dolç com una rima infantil. Normalment, hauria considerat la resolució d’aquest estrany triangle tan sentimentalment ideat que es va convertir en un exemple de tenir el vostre pastís (o cadàver) i menjar-lo també. Tot i així, el senyor Burton cau, tot i que amb retard, al costat de la vida i de l’amor, i no ho hauria pogut suportar si no ho hagués fet. Així que gaudiu de Corpse Bride si podeu. No ho vaig fer, tot i que vaig haver d’admetre que estava bastant aconseguit pel que era.
Daddy’s Girl
Keane de Lodge Kerrigan, segons el seu propi guió, és la tercera pel·lícula de narrativa en primera persona que es distingeix independentment i amb molta reputació i que el senyor Kerrigan ha demostrat en els darrers 11 anys. Va debutar amb Clean, Shaven (1994), un estudi proper d’un personatge esquizofrènic anomenat Peter (Peter Greene), que es dedica a intentar trobar algun propòsit a la seva existència després d’haver estat alliberat d’una institució mental. Mentrestant, la seva petita filla ha estat posada en adopció per la seva mare, una policia que sospita que Peter és el brutal assassí d'una altra nena i que està al cor de la seva pista.
El segon llargmetratge del senyor Kerrigan, Claire Dolan, era una narració més directa i menys dubtosa que Clean, Shaven, que seguia el personatge del títol, interpretat per la difunta Katrin Cartlidge, en les seves rondes designades com a trucada de gran preu que operava a diverses localitzacions entre Nova Jersey i Nova York, una regió que s’ha convertit en la gespa escollida pel senyor Kerrigan. És un món transitori de motels, bars econòmics i locals d’oci nocturn.
Keane està més a prop en la seva divergència indistinta de Clean, Shaven que de Claire Dolan des del moment que comença, una mica misteriosament, a la terminal d'autobusos de l'Autoritat Portuària de Nova York, on William Keane (Damian Lewis) busca frenèticament el seu fill de 6 anys. filla, desapareguda des de fa sis mesos després d’haver desaparegut a la terminal d’autobusos mentre estava a l’atenció de Keane. Com a mínim, això és el que afirma Keane quan les botoneres completen desconeguts amb una foto de la seva filla i un retall de diari desaparegut de la seva desaparició, cap de les quals mai veiem per nosaltres mateixos, cosa que condueix a la sospita que Keane, desaparegut i aparentment dement, podria haver inventat el tota la història. Per una banda, se’l mostra sempre murmurant o fins i tot cridant en veu alta a si mateix, mentre la càmera de mà del director de fotografia John Foster, que es manté a prop de Keane, es manté sense parar perquè el públic s’identifiqui amb el seu punt de vista. És com si una tercera persona que no es veiés seguís Keane per alguna raó no especificada.
Lewis, un actor britànic amb molt de talent, mostra un impecable accent americà en el que equival a una hiper-wellesiana monopolització del temps i l'espai de la pantalla. Just quan ha començat a esgotar la nostra paciència incitant a una ximplera baralla al voltant d’una parada de taxis amb un home que sospita inútilment d’haver segrestat la seva filla, la trama comença a engrossir-se considerablement quan es troba amb una mare soltera amb poca sort. Lynn Bedik (Amy Ryan), i la seva filla Kira (Abigail Breslin), de 7 anys, al seu hotel. Keane queda clarament fascinada per la nena, possiblement perquè li recorda a la seva pròpia filla perduda i simplement perquè és un pedòfil perillós que té fantasies sobre una filla perduda des de fa molt de temps.
Hem vist a Keane lliurar-se a una trobada sexual amb una dona que no s’identificava, mentre que la seva manca de potència sexual en aquesta trobada desperta sospites més carregades de suspens sobre les seves perversitats sexuals. Quan Lynn li demana a Keane que se senti a la seva filla mentre ella surt de la ciutat per aconseguir diners de manutenció per part del seu exmarit, la tensió augmenta sensiblement a mesura que Keane i Kira es relacionen com un pare subrogat devot i una filla subrogada completament confiada. Mentre Kira, ben interpretat per l’adorable Sra. Breslin, intenta alegrar la desanimada Keane, mai no fa el moviment fals o sospitós que anticipem ansiosament. No puc dir si el senyor Kerrigan juga a la piscina bruta amb nosaltres entre el públic o no. La molestia infantil és encara un tabú greu, tant a la pantalla com a fora de la pantalla, però les pel·lícules recents han creuat la línia (sobretot al sector independent) i, en qualsevol cas, mai no podem estar segurs d’un personatge que sembla pertànyer a una mentalitat. institució.
De fet, no vull curtcircuitar el suspens explicant-vos què passa al final. Tot i així, no puc evitar algunes especulacions d’autoristes sobre una críptica nota biogràfica que Kerrigan va incloure a les notes de producció de la pel·lícula: viu a la ciutat de Nova York amb la seva filla Serena. A la seva primera pel·lícula, Clean, Shaven, el protagonista ha perdut la custòdia d’una filla i se sospita de l’assassinat de la filla d’una altra persona. A Claire Dolan, la protagonista vol abandonar la prostitució perquè pugui tenir un fill propi. I a Keane, una filla possiblement real és quasi màgicament substituïda per una filla subrogada amb una motxilla sorprenentment similar a la mateixa terminal d'autobusos.
L’obsessió per les filles és prou plausible, però la solitud mòbil dels protagonistes del senyor Kerrigan planteja diferents qüestions sobre la visió de la vida i la societat de l’autor. Sembla que tots nedem en un mar d’indiferència comunitària, i suposo que és una descripció del món actual tan adequada com qualsevol altra.
Més Wilder
Some Like It Wilder: The Complete Billy Wilder, una retrospectiva de 26 pel·lícules, continua la seva carrera al Museum of the Moving Image (35th Avenue al 36th Street, Astoria) amb A Foreign Affair (1948), el dur retorn de Wilder a Berlín després del guerra, amb Marlene Dietrich llançada contra la realitat com a nazi impenitent i Jean Arthur brutalitzat com a congressista republicà de Iowa en una desigual competència sexual amb Dietrich per l'amor d'un soldat nord-americà corrupte (interpretat per John Lund). Millard Mitchell també és destacat en el repartiment, com a còmic oficial sense comandaments. Dietrich canta el mercat negre i les ruïnes de Berlín. El divertit guió va ser atribuït a Wilder, Charles Brackett i Richard Breen, i les imatges del lloc de Berlín bombardejat van fer la seva pròpia declaració irònica. (Dissabte, 24 de setembre, 14:00)
Segons els informes, Stalag 17 (1953) va ser superior a l’èxit escènic de Broadway de Donald Bevan i Edmund Trzcinski. En l’adaptació cinematogràfica de Wilder i Edwin Blum (que va guanyar un Oscar per William Holden), l’antiheroi inicialment espinós es converteix inesperadament en heroic en un camp de presoners de guerra nazi, l’esmentat Stalag 17. L’esplèndid repartiment inclou la improvisació equip de comèdia de Robert Strauss i Harvey Lembeck (reprenent les seves travesures escèniques), Don Taylor, Richard Erdman, Peter Graves, Neville Brand, Ross Bagdasarian i Gil Stratton Jr., així com els vilans d'Otto Preminger (com el comandant del camp sardònic) i Sig Ruman (com a guàrdia enganyosament jovial de la caserna). Malgrat els posteriors Hogan’s Heroes —la sitcom insípida inspirada en l’èxit de la pel·lícula—, Stalag 17 continua sent una de les combinacions més ressonants de comèdia i melodrama de Wilder. (Diumenge, 25 de setembre, 14:00)
The Front Page (1974) és, per desgràcia, el cansat remake de Wilder de His Girl Friday (1940), de Howard Hawk, que havia hàbilment heterosexualitzat (amb Cary Grant i Rosalind Russell) el romanç original amic-amic de l’etapa de Ben Hecht – Charles MacArthur del 20. comèdia, així com la versió cinematogràfica de Lewis Milestone de 1931 amb Adolphe Menjou i Pat O'Brian (després que el productor Howard Hughes rebutgi Clark Gable i James Cagney, en les primeres etapes de la seva carrera, per als papers principals). En la versió Wilder, Jack Lemmon i Walter Matthau restauren la venerable tradició de buddy-buddy. (Dissabte, 1 d’octubre, 14:00)
The Apartment (1960), exhibit en una impressió Dolby Digital restaurada de 35 mil·límetres, va guanyar els merescuts Oscars a la millor pel·lícula, al millor guió (Wilder i IAL Diamond), a la millor edició (Daniel Mandell) i a la millor direcció d’art - Decoració de decorats ( Alexandre Trauner i Edward G. Boyle). Sense merèixer la pèrdua de l’Oscar de Shirley MacLaine com a millor actriu; la seva victoriosa actuació de noia dolenta va ser infinitament superior a la ridícula trucada d'Elizabeth Taylor a Butterfield 8 de Daniel Mann, per la qual la senyora Taylor va guanyar un dels seus premis periòdics de Hollywood en homenatge a la seva cínica adquisició i màquina de publicitat ben greixada. Fred MacMurray està envoltat del desagraït paper de marit trampós i adúlter malhumorat, però Jack Lemmon i la Sra. MacLaine no són res menys que exquisits en les seves vulnerabilitats compartides, que finalment triomfen en una explosió d’espectacular moviment de càmera. (Dissabte, 1 d’octubre, 16:00 i diumenge, 2 d’octubre, 16:30)
